Cada experiencia deja su huella; un rastro de su paso, independientemente de si el desenlace es feliz o no, nos obliga a adaptarnos a diferentes situaciones.
Un corazón atravesado por las flechas de Cupido siempre llevará una herida, una línea muy fina entre «alcanzado» y «roto».
En la obra «Resilienza», la fragilidad está representada por el cristal incrustado en el corazón, que se hace añicos al ser alcanzado por la flecha, pero que también presenta signos de costuras, como si quisiera resistir ese momento.

La obra explora la fascinación y la trampa que supone el dinero a través de una máquina tragaperras transparente, un objeto seductor y luminoso que permite vislumbrar su funcionamiento interno.

Los rodillos relucientes evocan el encanto hipnótico del juego y la promesa de una ganancia fácil, pero la transparencia revela la naturaleza mecánica del juego.

En la base, una trampa para ratones con un billete de un dólar rompe el hechizo: el objeto de deseo se convierte en cebo, el dinero se transforma en un símbolo de peligro y el hombre se convierte tanto en jugador como en presa.

Cuando decides arriesgarte, lo único seguro es que vas a ganar.
En cambio, empiezas a perder, pero no importa, porque estás convencido de que, de entre mil perdedores, tú serás el único que acabará ganando. Así que acabas perdiéndolo todo, incluso tu dignidad, pero sigues adelante, ahora hecho un desastre, aferrándote a esa maldita palanca.
«¡Juega y gana!» pretende representar el problema que afecta a muchas personas en nuestro mundo moderno: la adicción al juego. Un brillante juguete infantil transformado en un objeto peligroso que, a pesar de estar cubierto de espinas, sigue fascinándote, instándote a jugar.
Los iconos ganadores se sustituyen por símbolos de lo que podrías perder: tu hogar, tu dinero, tus posesiones materiales, tu familia. Estas pérdidas conducen lenta pero inexorablemente a la «muerte» de la persona —no necesariamente física— que, mientras tanto, se ha convertido en un mero gesto mecánico.

El pasado crea recuerdos; el futuro crea esperanzas.
Cada día que pasa se graba en nuestro interior y, con el tiempo, cada uno de esos recuerdos, por insignificantes que parezcan, acabará por conformar y enriquecer el patrimonio cultural y social del que nunca nos separaremos.
Mientras nos preparamos para vivir nuevos días con la ilusión de un viaje, sentimos la necesidad de llevar con nosotros los días ya vividos y, así, una maleta —por humilde que sea, como las que arrastraban los migrantes en la década de 1950— se convierte en la guardiana de los recuerdos y las esperanzas de quienes abandonan su tierra natal; recuerdos y esperanzas que se repiten cíclicamente a lo largo del tiempo y que siempre han caracterizado los flujos migratorios.
Así, cada viaje, como la vida misma, comienza y termina con un destello de luz.

La promesa de rescatarte de una dura realidad social y llevarte a una mejor no es más que una ilusión.
Al igual que un mago te hace creer que un pañuelo dentro de un sombrero se convierte en un conejo blanco, el traficante de personas te promete un viaje lleno de esperanza, haciéndote creer que llegarás sano y salvo a tu destino.
En realidad, hay quienes nunca llegan a la nueva tierra, pagando el precio más alto por este viaje con sus propias vidas. Lo único que queda en mar abierto es el chaleco salvavidas de una vida que ya no existe.

La instalación adopta la forma de un yacimiento arqueológico contemporáneo, en el que una columna con capitel jónico emerge como una reliquia de un presente ya cargado de significados. La obra va acompañada de un vídeo que amplía sus dimensiones temporales y simbólicas.

La columna, construida con alambre de púas, adopta la forma de una estructura arquitectónica herida. El material, históricamente vinculado a la separación y el control, se convierte en una representación de las fronteras que la humanidad ha erigido continuamente: límites mentales, culturales y sociales que definen nuestra identidad.

Objetos simbólicos quedan enredados en la maraña de alambre de púas: una corona, un pasaporte, banderas nacionales, un burka con un rosario cristiano y tibetano, un preservativo, una cruz farmacéutica; fragmentos de poder, fe, pertenencia, el cuerpo. Estos elementos hablan únicamente del presente, fijados como artefactos.

La obra nos invita a reflexionar sobre la necesidad de derribar tales barreras, no para negar el concepto de límites, sino para recrear otros nuevos: límites más conscientes, capaces de representar una evolución futura del ser humano.

Echa un vistazo al vídeo  

La obra «B&B for Bee» surge de una reflexión sobre la contaminación ambiental provocada por el ser humano, que afecta a todos los seres vivos, incluidas las abejas.
La comunidad científica define el declive de las poblaciones de insectos observado en las últimas décadas como una auténtica extinción masiva causada por una combinación de factores, entre los que se incluyen el cambio climático, el uso de pesticidas y la invasión humana del medio ambiente.
Por ello, he optado por asociar a la abeja con una idea de muerte a modo de memento mori para cualquiera que afronte la vida con una actitud despreocupada, sin tener en cuenta las consecuencias de sus actos.
Las celdas de las abejas se vuelven así artificiales, y el final de la vida se funde con la muerte —estrechamente ligada a la nuestra— para recordarnos que los errores que cometemos hoy tendrán repercusiones infinitas.

La obra «Confine sospeso» representa la frontera entre la infancia y la edad adulta.
Desde esta perspectiva, el columpio se convierte en un símbolo de separación, ya que evoca una sensación de libertad y de sueños que los adultos ya no poseen debido a una vida llena de dificultades. La capacidad de levantar los pies del suelo para alcanzar los propios sueños se convierte en un privilegio de los niños, mientras que los adultos, por desgracia, deben andar con mucho cuidado por miedo a hacerse daño.

Cuando confías en alguien, te entregas por completo. Cuando imaginas un amor perfecto, te haces ilusiones y piensas que quizá también para ti exista un príncipe azul. A veces, sin embargo, ese príncipe con el que tanto has soñado no viene a despertarte con un beso como en los cuentos de hadas, y esa idea del amor perfecto se desvanece.
«Ricordo di un amore» te da la bienvenida con una melodía constante y repetitiva (« Los sueños son deseos» de Maria Cristina Brancucci), como para sumergirte en el sueño de una niña que, sin embargo, se interrumpe bruscamente cuando se abre el cofre, enfrentándote a una realidad más cruda caracterizada por un silencio ensordecedor y dos símbolos de violencia: el banco rojo, que representa universalmente la lucha contra el feminicidio, y un laberinto sin salida.
¿Es la solución volver a cerrar la tapa para no ver y volver a poner la música? Mientras tanto, el reloj de la vida nos recuerda que el tiempo pasa.

«Metamorfosi» no es solo el retrato de una mujer, sino una reflexión sobre la identidad, el crecimiento personal y el poder de transformación del alma.
La pintura se centra en el rostro impasible de una mujer, cuya intensa mirada transmite a la vez vulnerabilidad y determinación.
El cambio reside en la forma en que su cuerpo se transforma, disolviéndose en un flujo de colores y formas abstractas que sugieren la separación de su esencia, como si una parte de su alma se desprendiera para flotar en el aire circundante.
Las pinceladas dinámicas y fluidas crean una sensación de movimiento, dando vida al cuadro y haciéndolo evolucionar constantemente, lo que enfatiza la idea de renacimiento y cambio.

El proyecto «VITA FLAMMAE» es una fusión de tradición, naturaleza y simbolismo, cuyo objetivo es capturar la esencia del Festival de los Faroles y la profunda conexión entre la humanidad, la tierra y el ciclo de la vida.
El elemento central de la obra es una estela que, con su forma laberíntica, no es meramente un elemento decorativo, sino una referencia a las estructuras de madera que caracterizan este festival; en su interior encontramos dos elementos fundamentales: espejos, que crean un juego de reflejos, amplificando la luz natural durante el día y la luz artificial por la noche; y dos figuras en la base de la estela, una mujer y un hombre, quienes, según la tradición, encienden juntos la primera linterna.
La luz y el fuego son, tanto en la obra de arte como en esta fiesta tradicional, símbolos de unidad y comunidad, y remiten a la cultura rural al marcar la transición de un ciclo de cosecha al siguiente.
La Fiesta de las Lámparas, que tiene su origen en rituales paganos y propiciatorios, tiene una conexión con la naturaleza que se reinterpreta en la obra de arte como el ciclo de la vida.
En la base del tótem se alza el Monte Somma, que simboliza la riqueza de esta tierra, siempre fundamental para la región, junto a los símbolos de las cuatro estaciones, representados en formas geométricas que enriquecen aún más la obra; cinco faroles tradicionales, situados en el centro de la estructura, iluminan por la noche los espejos de la estela, creando un juego de reflejos. Por último, el título «VITA FLAMMAE», que significa «Llama de la vida», captura la esencia de la luz y el fuego, creando un hilo conductor que une a la humanidad, la naturaleza y la dimensión ritual de la Fiesta de las Luces.

La escultura «L’Infanzia che non c’è» constituye un comentario sobre la infancia perdida a causa de la guerra.
La escultura, concebida como un velo transparente de Maya (un concepto extraído de la filosofía hindú), adopta la forma de un osito de peluche, uno de los símbolos universales de la ternura y la inocencia, típicos de la infancia.
Sin embargo, esta transparencia revela que la infancia/el osito de peluche está, de hecho, ausente, tras haber sido golpeada por la brutalidad del conflicto, lo que permite mirar dentro de la escultura, donde se ven banderas arrugadas de países actualmente envueltos en la guerra, cayendo inexorablemente en un agujero negro.
Cada bandera, tras haber sido «maltratada», se convierte también en un símbolo de esperanzas destrozadas y promesas incumplidas para los niños que viven en esos contextos.
El contraste entre la dulzura de la forma del osito de peluche y la dureza de la realidad representada por las banderas arrugadas invita al espectador a reflexionar sobre la inocencia perdida de los niños obligados a crecer en zonas de guerra y sobre la necesidad de proteger a las generaciones futuras.

En la antigua Grecia, el rito de purificación, o catarsis, representaba un proceso espiritual y simbólico de transformación, destinado a liberar el alma y el cuerpo de las impurezas físicas y morales acumuladas. La catarsis no era solo un acto práctico, sino también un gesto ritual y filosófico profundo que marcaba el retorno a la armonía con lo sagrado y con la naturaleza.
Las impurezas, a menudo representadas simbólicamente por la enfermedad, la culpa o la agitación interior, quedaban encerradas en un recipiente oscuro, un poderoso símbolo de las sombras y los sufrimientos que los seres humanos buscan superar.
De este recipiente, representado en la obra por el zócalo, emerge una figura femenina, pura y luminosa, que encarna la esperanza, el renacimiento y la regeneración espiritual.
«Catharsis», por lo tanto, no es solo un proceso de purificación, sino también un viaje de crecimiento interior y descubrimiento, una transición de un estado de caos a uno de orden, de la oscuridad a la luz.
Este concepto, tan profundamente arraigado en la cultura griega, sigue resonando con fuerza también en nuestra sociedad contemporánea, recordándonos la importancia de afrontar y transformar nuestros desafíos internos para redescubrir el equilibrio y la paz.

A veces lo que vemos no es lo que creemos ver. Necesitamos una señal, una advertencia, que nos revele lo que realmente «se esconde debajo». «Campanello» surgió por casualidad durante Paratissima 2022; se concibió como una llamada a los transeúntes que no «veían», con el objetivo de intrigar al visitante distraído. Un felpudo para pisar, pero que es en sí mismo una ilusión, ya que está colocado boca abajo en el suelo. Creado por casualidad y, por casualidad, convirtiéndose en una estrella, hasta el punto de ganarse su propio lugar dentro de la serie «Illusions». Una ilusión entre ilusiones.

La instalación «Tutto bene e tu?» surge de una reflexión sobre una pregunta que se formula constantemente y que nos hacemos a nosotros mismos en nuestra vida cotidiana: «¿Cómo estás?», representada aquí mediante su onda sonora específica.
Esta pregunta, que se ha convertido en un ritual automático desprovisto de cualquier profundidad emocional real, suele recibir una respuesta que, aunque sincera, rara vez se escucha de verdad. Esta serie de «no preguntas / no respuestas», que debería plasmar nuestra preocupación por las personas que forman parte de una comunidad, resta importancia a un momento crucial de comunicación entre seres humanos.
De esta reflexión surge la reconstrucción de un diálogo sincero para la construcción de una nueva sociedad.
La repetición constante de la misma pregunta, en este caso, no debe verse como una pérdida de su importancia; al contrario, pretende servir como un «mantra» y, por tanto, como una «herramienta para pensar» que, precisamente a través de la repetición del mismo sonido, lleva al oyente a la meditación.

La escultura «Sotto il Velo di Maya» juega con las apariencias y nos invita a reflexionar sobre la naturaleza de la verdad.
El concepto filosófico de Maya, entendido como una ilusión que oculta la verdadera esencia de las cosas, se representa aquí de forma evocadora a través de un «velo» con forma de paloma —símbolo universal de la paz— cuya transparencia, sin embargo, revela un arma de guerra.
Este contraste entre apariencia y realidad, entre lo que vemos y lo que realmente existe, nos lleva a cuestionar nuestras percepciones y su fiabilidad: ¿con qué frecuencia nos dejamos engañar por las apariencias, las convenciones sociales y los estereotipos sin llegar a captar la verdad que se esconde tras ellos?
La obra invita al espectador a buscar lo que a veces se nos oculta pero que, a través de un juego de transparencias, podría ser revelado por un «Velo de Maya».

La obra «Autoritratto» pretende representar la forma en que cada uno de nosotros vive su día a día.
No somos los únicos protagonistas de la realidad; los objetos que utilizamos también desempeñan un papel, y son estos objetos —moldeados por nuestros gustos y necesidades— los que nos definen.
He creado un «autorretrato» compuesto por dos partes distintas pero entrelazadas: una, más superficial, representada por el espejo central que refleja la imagen del rostro del espectador; la otra, más conceptual, donde los fragmentos evocan la experiencia vivida independientemente de la apariencia visual.

La obra «Domina» es una reflexión sobre el «tercer paisaje». El adjetivo «tercer» se inspira en una metáfora del arquitecto paisajista Gilles Clément, quien explica cómo la vegetación abandonada que se encuentra en los «restos de la organización racional del hombre» constituye una importante reserva de biodiversidad y potencial evolutivo. Tomé fotografías en las que las «malas hierbas» son las protagonistas y luego las combiné con detalles de carreteras de hormigón, creando un damero de texturas.
La elección del juego de damas radica en la propia palabra; de hecho, deriva del latín domina, que significa «la pieza soberana», lo que, por extensión, explica el juego en sí.

La palabra «libertad» la utilizan tanto quienes están convencidos de haberla alcanzado como quienes aún luchan por conseguirla.
Cuando nos sentimos libres, deberíamos preguntarnos si se trata de algo real o si es solo una ilusión. ¿Podemos realmente actuar, amar y expresarnos como deseamos, o lo que hacemos está influenciado por nuestro entorno? ¿Estamos seguros de que no estamos atrapados en la jaula que nosotros mismos nos hemos construido?
«Libero chi?»: dos peces en la misma red, cada uno en un lado diferente. ¿Cuál de los dos se siente libre, creyendo que el otro está atrapado? ¿O tal vez ambos han caído en la red pero no se dan cuenta? Nuestra presunción nos lleva a creer que siempre somos el pez afortunado y que son los demás los que están atrapados: ¿es realmente así?

The work “Domina” is a reflection on the “third landscape”. The adjective “third” draws on a metaphor by landscape architect Gilles Clément, who explains how the neglected vegetation found in the “remnants of man’s rational organisation” constitutes an important reservoir of biodiversity and evolutionary potential. I took photographs in which “weeds” are the protagonists, and then combined them with details of concrete roads, creating a checkerboard of textures.
The choice of the game of draughts lies in the word itself; it derives, in fact, from the Latin domina, meaning “the sovereign piece”, thereby, by extension, explaining the game itself.

The work “Autoritratto” is intended to represent the way in which each of us experiences our daily lives.
We are not the only protagonists of reality; the objects we use also play a part, and it is these objects—shaped by our tastes and needs—that define us.
I have created a ‘self-portrait’ consisting of two distinct yet intertwined parts: one, more superficial, represented by the central mirror that reflects the image of the viewer’s face; the other, more conceptual, where the fragments evoke lived experience regardless of visual appearance.

The “VITA FLAMMAE” project is a fusion of tradition, nature and symbolism, which aims to capture the essence of the Festival of Lanterns and the deep connection between humankind, the earth and the cycle of life.
The central element of the work is a stele, which, with its labyrinthine form, is not merely a decorative feature but a reference to the wooden structures that characterise this festival; inside, we find two fundamental elements: mirrors, which create a play of reflections, amplifying natural light by day and artificial light by night; and two figures at the base of the stele, a woman and a man, who, as per tradition, light the first lantern together.
Light and fire are, in the artwork as in this traditional festival, symbols of unity and community, and they refer to rural culture as they mark the transition from one harvest cycle to the next.
The Festival of the Lamps, which has its origins in pagan and propitiatory rituals, has a connection with Nature that is reinterpreted in the artwork as the cycle of life.
At the base of the totem stands Mount Somma, symbolising the richness of this land, which has always been central to the region, alongside the symbols of the four seasons, rendered in geometric forms that further enrich the work; five traditional lanterns, placed at the centre of the structure, illuminate the mirrors of the stele at night, creating a play of reflections.
Finally, the title “VITA FLAMMAE”, meaning “Flame of Life” it captures the essence of light and fire, creating a common thread that links humanity, nature and the ritual dimension of the Festival of Lights.

The sculpture “L’Infanzia che non c’è” serves as a commentary on childhood lost to war.
The sculpture, conceived as a transparent veil of Maya (a concept drawn from Hindu philosophy), takes the form of a teddy bear—one of the universal symbols of tenderness and innocence, typical of childhood.
However, this transparency reveals that the childhood/teddy bear is in fact absent, having been struck by the brutality of conflict, allowing one to look inside the sculpture where crumpled flags of countries currently embroiled in war are visible, falling inexorably into a black hole.
Each flag, having been ‘mistreated’, also becomes a symbol of shattered hopes and broken promises for the children living in such contexts.
The contrast between the sweetness of the teddy bear’s form and the harshness of the reality represented by the crumpled flags invites the viewer to reflect on the lost innocence of children forced to grow up in war zones and on the need to protect future generations.

In ancient Greece, the rite of purification, or catharsis, represented a spiritual and symbolic process of transformation, aimed at freeing the soul and body from accumulated physical and moral impurities. Catharsis was not merely a practical act, but also a profound ritual and philosophical gesture that marked a return to harmony with the sacred and with nature.
Impurities, often symbolically represented by illness, guilt or inner turmoil, were enclosed within a dark container, a powerful symbol of the shadows and sufferings that human beings seek to overcome.
From this container, represented in the work by the plinth, emerges a female figure, pure and luminous, who embodies hope, rebirth and spiritual regeneration.
‘Catharsis’, therefore, is not merely a process of purification, but also a journey of inner growth and discovery, a transition from a state of chaos to one of order, from darkness to light.
This concept, so deeply rooted in Greek culture, continues to resonate profoundly in our contemporary society as well, reminding us of the importance of confronting and transforming our inner challenges in order to rediscover balance and peace.

The word ‘freedom’ is used by those who are convinced they have attained it, but also by those who are still striving to achieve it.
When we feel free, we should ask ourselves whether this is real or merely an illusion. Can we truly act, love and express ourselves as we wish, or is what we do influenced by our surroundings? Are we certain we are not trapped within the cage we have created for ourselves?
“Libero chi?”: two fish in the same net, each on a different side. Which of the two feels free, believing the other to be trapped? Or perhaps they have both fallen into the net but fail to realise it? Our arrogance leads us to believe we are always the lucky fish and that it is the others who are trapped: is that really the case?

Sometimes what we see is not what we think we see. We need a signal, a warning, to reveal what really ‘lies beneath’. ‘Campanello’ came about by chance during Paratissima 2022; it was intended as a call to passers-by who did not ‘see’, aiming to intrigue the distracted visitor. A doormat to be walked on, yet itself an illusion as it is placed upside down on the floor. Created by chance and, by chance, becoming a star, to the point of earning its own place within the “Illusions” series. An illusion amongst illusions.

The installation “Tutto bene e tu?” stems from a reflection on a question that is constantly asked and that we ask ourselves in our daily lives: “How are you?”, represented here by its specific sound wave.
This question, which has now become an automatic ritual devoid of any real emotional depth, often receives a reply which, even if sincere, is rarely truly heard. This series of “non-questions / non-answers”, which should encapsulate our concern for the individuals within a community, diminishes an important moment of communication between human beings.
From this consideration arises the reconstruction of a sincere dialogue for the building of a new society.
The constant repetition of the same question, in this case, should not be seen as a loss of its importance; on the contrary, it is intended to serve as a ‘mantra’, and thus a ‘tool for thinking’, which, precisely through the repetition of the same sound, leads the listener to meditate.

The sculpture “Sotto il Velo di Maya” plays with appearances and invites us to reflect on the nature of truth.
The philosophical concept of Maya, understood as an illusion that conceals the true essence of things, is evocatively represented here through a “Veil” shaped like a dove—a universal symbol of peace—whose transparency, however, reveals a weapon of war.
This contrast between appearance and reality, between what we see and what truly exists, prompts us to question our perceptions and how reliable they are: how often do we allow ourselves to be deceived by appearances, social conventions and stereotypes without managing to grasp the truth hidden behind them?
The work invites the viewer to seek out what is sometimes hidden from us but which, through a play of transparencies, might be revealed by a ‘Veil of Maya’.

The promise of rescuing you from a harsh social reality and taking you to a better one is nothing more than an illusion.
Just as a magician makes you believe that a handkerchief in a hat turns into a white rabbit, so the people-smuggler promises you a journey of hope, lulling you into the belief that you will arrive safely at your destination.
In reality, there are those who never reach the new land, paying the highest price for this journey with their own lives. What remains on the open sea is merely the life jacket of a life that is now no more.

When you trust someone, you give your all. When you imagine perfect love, you delude yourself into thinking that there might be a Prince Charming for you too. Sometimes, however, that prince you’ve dreamed of so much doesn’t come to wake you with a kiss like in fairy tales, and that idea of perfect love fades away.
“Ricordo di un amore” welcomes you with a steady, repetitive melody (“ Dreams are desires” by Maria Cristina Brancucci), as if to immerse you in a little girl’s dream, which is abruptly interrupted when the box is opened, confronting you with a harsher reality characterised by a deafening silence and two symbols of violence: the red bench, which universally represents the fight against femicide, and a labyrinth with no way out.
Is closing the lid again to avoid seeing and restarting the music the solution? Meanwhile, the clock of life reminds us that time is passing.

“Metamorfosi” is not merely a portrait of a woman, but a reflection on identity, personal growth and the soul’s power to transform.
The painting focuses on the still face of a woman, whose intense gaze conveys both vulnerability and determination.
The change lies in the way her body transforms, dissolving into a flow of colours and abstract forms that suggest the separation of her essence, as if a part of her soul were detaching itself to float in the surrounding air.
The dynamic, fluid brushstrokes create a sense of movement, bringing the painting itself to life and making it constantly evolving, emphasising the idea of rebirth and change.

The work “Confine sospeso” represents the boundary between childhood and adulthood.
From this perspective, the swing becomes a symbol of separation because it evokes a sense of freedom and dreams that adults no longer possess due to a life full of difficulties. The ability to lift one’s feet off the ground to reach one’s dreams becomes the preserve of children, whilst adults, unfortunately, must be very careful where they walk for fear of hurting themselves.

The work “B&B for Bee” stems from a reflection on man-made environmental pollution, which affects all living beings, including bees.
The scientific community defines the decline in insect populations observed over recent decades as a veritable mass extinction caused by a combination of factors, including climate change, the use of pesticides and human encroachment on the environment.
I have therefore chosen to associate the bee with an idea of death as a memento mori for anyone who approaches life with a carefree attitude, without considering the consequences of their actions.
The bees’ cells thus become artificial, and the end of life merges with death—closely linked to our own—to remind us that the mistakes we make today will have endless repercussions.

Every experience leaves its mark; a trace of its passing, regardless of whether the outcome is happy or not, forces us to adapt to different situations.
A heart pierced by Cupid’s arrows will always bear a wound, a very fine line between ‘struck’ and ‘broken’.
In the work ‘Resilienza’, fragility is represented by the glass embedded in the heart, which shatters when struck by the arrow but also bears signs of stitching, as if to resist this moment.

The past creates memories; the future creates hopes.
Every day that passes is cherished within us, and over time every single, perhaps insignificant, memory will go on to shape and enrich the cultural and social heritage from which we shall never part.
As we prepare to experience new days in anticipation of a journey, we feel the need and the necessity to carry with us those already lived, and so, a suitcase – however humble, like those dragged along by migrants in the 1950s – becomes the guardian of the memories and hopes of those leaving their homeland; memories and hopes that recur cyclically over time and have always characterised migratory flows.
Thus every journey, like life itself, begins and ends with a glimpse of light.

When you decide to take a gamble, your only certainty is that you’re bound to win.
Instead, you start losing, but it doesn’t matter, because you’re convinced that, out of a thousand losers, you’ll be the one who ends up as the sole winner. So you end up losing everything, even your dignity, but you carry on, now a wreck, clinging to that damned lever.
“Play and win!” aims to represent the problem affecting many people in our modern world: gambling addiction. A shiny children’s toy transformed into a dangerous object which, despite being covered in thorns, continues to fascinate you, urging you to play.
The winning icons are replaced with symbols of what you might lose: your home, your money, your material possessions, your family. These losses slowly but surely lead to the ‘death’ of the person—not necessarily physical—who, in the meantime, has become a mere mechanical gesture.

The work explores the fascination and trap of money through the form of a transparent slot machine, a seductive, luminous object that offers a glimpse of its inner workings.

The glittering reels evoke the hypnotic allure of gambling and the promise of an easy win, yet the transparency reveals the mechanical nature of the game.

At the base, a mousetrap with a dollar bill breaks the spell: the object of desire becomes bait, money turns into a symbol of danger, and man becomes both player and prey.

The installation takes the form of a contemporary archaeological site, in which a column with an Ionic capital emerges as a relic of a present that is already layered. The work is accompanied by a video that amplifies its temporal and symbolic dimensions.

The column, constructed from barbed wire, takes the form of a wounded architectural structure. The material, historically linked to separation and control, becomes a representation of the boundaries that humanity has continually erected: mental, cultural and social limits that define our identity.

Symbolic objects remain entangled in the tangle of barbed wire: a crown, a passport, national flags, a burqa with a Christian and Tibetan rosary, a condom, a pharmaceutical cross; fragments of power, faith, belonging, the body. These elements speak only of the present, fixed as artefacts.

The work invites us to reflect on the need to break down such barriers, not to deny the concept of boundaries, but to recreate new ones: more conscious boundaries, capable of representing a future evolution of the human being.

Check out the video  

L’installazione si configura come un sito archeologico contemporaneo, in cui una colonna con capitello ionico emerge come reliquia di un presente già stratificato. L’opera è accompagnata da un video che ne amplifica la dimensione temporale e simbolica.

La colonna, costruita in filo spinato, assume la forma di un corpo architettonico ferito. Il materiale, storicamente legato alla separazione e al controllo, diventa la rappresentazione dei confini che l’umanità ha continuamente edificato: limiti mentali, culturali e sociali che definiscono la nostra identità.

Nel groviglio del filo spinato restano impigliati oggetti-simbolo: una corona, un passaporto, bandiere nazionali, un burka con un rosario cristiano e tibetano, un preservativo, una croce farmaceutica; frammenti di potere, fede, appartenenza, corpo. Questi elementi non raccontano altro che il presente, fissato come reperto.

L’opera invita a riflettere sulla necessità di abbattere tali barriere, non per negare il concetto di confine, ma per ricrearne di nuovi: confini più consapevoli, capaci di rappresentare una futura evoluzione dell’essere umano.

Guarda il video  

L’opera mette in scena la fascinazione e la trappola del denaro attraverso la forma di una slot machine trasparente, un oggetto seducente e luminoso che lascia intravedere i propri meccanismi interni.

I rulli luccicanti richiamano l’ipnosi del gioco e la promessa del traguardo facile ma la trasparenza svela la natura meccanica del gioco.

Nella bse, una trappola per topi con un dollaro spezza l’incantesimo: l’oggetto del desiderio diventa esca, il denaro si trasforma in simbolo di pericolo e l’uomo diventa sia giocatore che preda.

Quando decidi di metterti in gioco la tua unica certezza è che sicuramente vincerai.
Invece inizi a perdere ma non è importante, perché sei convinto che, tra mille sconfitti, sarai tu quello che risulterà l’unico vincente. Finisce così che perdi tutto, anche la dignità, ma continui, ormai malato, ad aggrapparti a quella maledetta leva.
“Gioca e vinci!” vuole rappresentare il problema che colpisce molte persone nella nostra contemporaneità: la ludopatia. Un luccicante giocattolo per bambini trasformato in un oggetto pericoloso che nonostante sia ricoperto di spine, continua ad affascinarti spingendoti a giocare.
Le icone della vincita sono sostituite con simboli di ciò che potresti perdere: la casa, i soldi, i beni materiali, la famiglia. Queste perdite lentamente, ma inesorabilmente, portano alla «morte» della persona, non necessariamente fisica, che nel frattempo si è trasformata nel suo stesso gesto meccanico.

Il tempo passato crea ricordi, il tempo futuro crea speranze.
Ogni giorno che passa viene custodito dentro di noi, e nel tempo ogni singolo e magari insignificante ricordo andrà a formare e incrementare il bagaglio culturale e sociale dal quale mai ci separeremo.
Quando ci apprestiamo a vivere nuovi giorni in vista di un viaggio sentiamo il bisogno e le necessità di portarci dietro quelli già vissuti, e così, una valigia, per quanto povera come quelle che si trascinavano i migranti degli anni 50, diventa la custode dei ricordi e delle speranze di chi lascia la propria terra; ricordi e speranze che ciclicamente si ripetono col tempo e che caratterizzano da sempre i flussi migratori.
Così ogni viaggio, come la vita, inizia e finisce vedendo una luce.

Ogni esperienza vissuta lascia il suo segno, una traccia del suo passaggio a prescindere che il finale sia o meno lieto ci obbliga ad adattarci alle diverse situazioni.
Un cuore trafitto dalle frecce di Cupido porterà con sé sempre una ferita quale sottilissimo confine tra “colpito” e “infranto”.
Nell’opera “Resilienza” la fragilità è rappresentata dal vetro inglobato nel cuore che colpito dal dardo s’infrange ma che presenta anch’esso segni di sutura come a voler resistere a tale passaggio.

L’opera “B&B for Bee” nasce da una riflessione sull’inquinamento ambientale generato dall’uomo che va a intaccare tutti gli esseri viventi, tra cui le api.
La comunità scientifica definisce la moria osservata negli ultimi decenni degli insetti una vera e propria estinzione di massa dovuta a un insieme di fattori, tra i quali il cambiamento climatico, l’uso di pesticidi e l’antropizzazione del territorio.
Ho scelto quindi di associare l’ape ad un’idea di morte come memento mori per chiunque si raffronti alla vita con spensieratezza senza considerare le conseguenze del suo vivere.
Le celle delle api diventano così artificiali e la fine della vita si unisce alla morte, strettamente legata alla nostra, per ricordarci che gli errori che commettiamo oggi avranno delle ripercussioni all’infinito.

L’opera “Confine sospeso” rappresenta il confine tra la dimensione dell’infanzia e quella della maturità.
L’altalena in quest’ottica diventa l’oggetto della separazione perché riporta ad un sentimento di libertà e sogno che gli adulti non hanno più a causa di una vita piena di difficoltà. La possibilità di alzare i pieni da terra per raggiungere i propri sogni diventa prerogativa dei bambini mentre gli adulti, sfortunatamente, devono stare molto attenti a dove camminano perché rischiano di farsi male.

La promessa di toglierti da una realtà sociale negativa per portarti in una migliore, altro non è che un’illusione.
Come il mago ti fa credere che il fazzoletto in un cappello si tramuta in coniglio bianco, così lo scafista ti promette un viaggio nella speranza, illudendoti di farti arrivare sano e salvo a destinazione.
In realtà c’è chi non arriva mai nella nuova terra, pagando con la propria vita il prezzo più caro di questo viaggio. Quel che rimane in mare aperto è solo in salvagente di una vita che ormai non c’è più.

L’opera scultorea “Sotto il Velo di Maya” gioca con le apparenze e ci invita a riflettere sulla natura della verità.
Il concetto filosofico di Maya, inteso come illusione che nasconde la vera essenza delle cose, viene qui rappresentato in modo suggestivo attraverso un “Velo” che ha le forme di una colomba, simbolo universale di pace, la cui trasparenza lascia però intravedere uno strumento di guerra.
Questo contrasto tra l’apparenza e la realtà, tra ciò che vediamo e ciò che esiste veramente, ci spinge ad interrogarci sulle nostre percezioni e su quanto esse siano affidabili: quante volte ci lasciamo ingannare dall’apparenza e dalle convenzioni sociali dagli stereotipi senza arrivare a cogliere la verità nascosta dietro di esse?
L’opera vuole invitare l’osservatore a cercare ciò che talvolta ci viene nascosto ma che, attraverso un gioco di trasparenze, potrebbe essere svelato con un “Velo di Maya”.

L’installazione “Tutto bene e tu?” nasce dalla riflessione su una domanda che viene posta e che poniamo in continuazione nella nostra quotidianità: Come stai?, qui rappresentata con la sua specifica onda sonora.
Questa domanda, diventata ormai un rito automatico senza un reale trasporto emotivo, riceve spesso una risposta che, anche fosse sincera, difficilmente viene ascoltata. Questa serie di “non-domande / non-risposte” che dovrebbero sintetizzare l’interesse per i singoli facenti parte di una comunità, sminuisce un momento comunicativo importante tra gli esseri umani.
Da questa considerazione nasce la ricostruzione di un dialogo sincero per la costruzione di una nuova società.
Il continuo ripetersi della stessa domanda, in questo caso, non deve essere visto come una perdita di importanza della stessa, al contrario esso vuole ricordare un “mantra”, quindi una “strumento del pensare”, che proprio attraverso la ripetizione dello stesso suono porta chi lo ascolta a meditare.

Talvolta quello che si vede non è ciò che crediamo di vedere. Serve un segnale, un avviso, per svelare cosa veramente “c’è sotto”. “Campanello”, nasce per caso, durante Paratissima 2022, voleva essere un richiamo per il passante che non “vedeva”, andando ad incuriosire il visitatore distratto. Uno zerbino da calpestare, ma anch’esso un’illusione in quanto posato a terra al contrario. Nato per caso e per caso diventato una star, al punto da meritarsi il proprio posto all’interno della serie “Illusioni”. Un’illusione tra le illusioni.

La parola libertà è usata da chi è convinto di averla raggiunta ma anche da chi, invece, lotta ancora per ottenerla.
Quando abbiamo la sensazione di essere liberi, dovremmo chiederci se questa sia reale oppure un’illusione. Possiamo veramente agire, amare, esprimerci come desideriamo o ciò che facciamo è condizionato da quello che ci circonda? Siamo certi di non essere intrappolati all’interno della gabbia che ci siamo noi stessi creati?
“Libero chi?”: due pesci nella stessa rete, ognuno dei quali si trova però da un lato diverso. Quale dei due si sente libero credendo l’altro intrappolato? O forse, sono entrambi caduti nella rete ma non riescono a percepirlo? La nostra presunzione ci fa credere di essere sempre nei panni del pesce fortunato e che quelli in trappola siano gli altri: sarà così?

Il rito di purificazione, o catarsi, nell’antica Grecia rappresentava un processo spirituale e simbolico di trasformazione, volto a liberare l’anima e il corpo dalle contaminazioni fisiche e morali accumulate. La catarsi non era solo un atto pratico, ma anche un profondo gesto rituale e filosofico che sanciva il ritorno all’armonia con il sacro e la natura.
Le impurità, spesso rappresentate simbolicamente da malattie, colpe o disagi interiori, venivano racchiuse in un contenitore oscuro, un simbolo potente delle ombre e delle sofferenze che l’essere umano cerca di superare.
Da questo contenitore, che nell’opera è rappresentata dal basamento, emerge una figura femminile, pura e luminosa, che incarna la speranza, la rinascita e la rigenerazione spirituale.
“Catarsi”, dunque, non è solo un processo di purificazione, ma anche un viaggio di crescita interiore e di scoperta, una transizione dallo stato di caos a quello di ordine, dalle tenebre alla luce.
Questo concetto, così radicato nella cultura greca, continua a risuonare profondamente anche nella nostra società contemporanea, ricordandoci l’importanza di affrontare e trasformare le nostre sfide interiori per ritrovare equilibrio e pace.

“Metamorfosi” non è solo un ritratto di una donna, ma una riflessione sull’identità, la crescita personale e il potere dell’anima di trasformarsi.
Il quadro si concentra sul volto immobile di una donna, il cui sguardo intenso trasmette vulnerabilità e determinazione.
Il cambiamento risiede nel modo in cui il suo corpo si trasforma, dissolvendosi in un flusso di colori e forme astratte che suggeriscono la separazione della sua essenza, come se una parte della sua anima si stesse staccando per fluttuare nell’aria circostante.
Le pennellate, dinamiche e fluide, creano un senso di movimento rendendo il quadro stesso vivo e in continua evoluzione accentuando l’idea di rinascita e cambiamento.

Quando ti fidi di qualcuno doni tutta te stessa. Quando immagini un amore perfetto, ti illudi e pensi che anche per te possa esserci un principe azzurro. A volte, però, quel principe che tanto hai sognato non viene a svegliarti con un bacio come nelle favole e quell’idea di amore perfetto svanisce.
“Ricordo di un amore” ti accoglie con una costante e ripetitiva melodia (“I sogni sono desideri” di Maria Cristina Brancucci), come per immergerti dentro il sogno di una bambina che però si interrompe bruscamente quando lo scrigno viene aperto mettendoti di fronte ad una più cruda realtà caratterizzata da un assordante silenzio e due simboli di violenza: la panchina rossa, che rappresenta universalmente la lotta al femminicidio, e un labirinto senza uscita.
Richiudere il coperchio per non vedere e far ripartire la musica è la soluzione? Intanto l’orologio della vita ci ricorda che il tempo passa.

L’opera «Autoritratto» vuole essere la rappresentazione del modo con cui ognuno di noi vive la propria quotidianità.
I protagonisti della realtà non siamo solo noi ma anche gli oggetti che utilizziamo e che, in base ai nostri gusti e alle nostre necessità, ci caratterizzano.
Ho realizzato un «autoritratto» che si compone di due parti distinte ma inglobate tra loro: una, più superficiale, rappresentata dallo specchio centrale che riflette l’immagine del volto di chi lo guarda, l’altra più concettuale dove gli scarti riportano alla vita vissuta prescindendo dall’aspetto visivo.

L’opera “Domina” è una riflessione sul «terzo paesaggio». L’aggettivo “terzo” richiama la metafora del paesaggista Gilles Clèment che spiega come la vegetazione abbandonata presente nei “residui dell’organizzazione razionale dell’uomo” sia un’importante riserva di biodiversità e potenziale evolutivo. Ho fatto delle fotografie dove protagoniste sono le “erbacce” e mettendole poi assieme a particolari di strade cementate, creando una scacchiera di texture.
La scelta del gioco della dama risiede nella parola stessa, deriva infatti, dal latino domina che significa “il pezzo sovrano» dando, per estensione, la spiegazione del gioco stesso.

L’opera scultorea “L’infanzia che non c’è” rappresenta un commento sull’infanzia perduta a causa della guerra.
La scultura, concepita come un velo di Maya trasparente (concetto ripreso dalla filosofia Induista), assume la forma di un orsetto di peluche che è uno dei simboli universali di tenerezza e innocenza, tipico dell’infanzia.
Tuttavia, tale trasparenza svela che l’infanzia/orsetto, è di fatto assente, perché colpita dalla brutalità dei conflitti, consentendo di guardare all’interno della scultura dove sono visibili alcune bandiere accartocciate di paesi attualmente coinvolti in guerre che cadono inesorabilmente in un buco nero.
Ogni bandiera, essendo stata “maltrattata” diventa anche simbolo delle speranze infrante e delle promesse non mantenute per i bambini che vivono in tali contesti.
Il contrasto tra la dolcezza della forma dell’orsetto e la durezza della realtà rappresentata dalle bandiere accartocciate invita lo spettatore a riflettere sull’innocenza perduta dei bambini costretti a crescere nelle zone di guerra e sulla necessità di proteggere le generazioni future.

Il progetto “VITA FLAMMAE” è un intreccio di tradizione, natura e simbolismo, che mira a catturare l’essenza della Festa delle Lucerne e il legame profondo tra l’uomo, la terra e il ciclo della vita.
L’elemento centrale dell’opera è una stele, che, con la sua forma labirintica, non è solo un elemento decorativo, ma un richiamo alle strutture lignee che caratterizzano questa festa; al suo interno possiamo trovare due elementi fondamentali: gli specchi, che creano un gioco di riflessi amplificando la luce naturale di giorno e artificiale di notte e due figure poste alla base della stele, una donna e un uomo, che accendono, come da tradizione, la prima lucerna assieme.
La luce e il fuoco sono nell’opera, come in questa festa tradizionale, simboli di unione e comunità e fanno riferimento alla cultura contadina perché segnano il passaggio da un ciclo di raccolta ad uno nuovo.
La Festa delle Lucerne, che trae le sue origini da rituali pagani e propiziatori, ha un legame con la Natura che viene reinterpretata nell’opera come ciclo della vita.
Nella parte inferiore del totem troviamo il Monte Somma, che simboleggia la ricchezza di questa terra da sempre protagonista della regione e i simboli delle quattro stagioni, realizzati con forme geometriche che arricchiscono ulteriormente l’opera; cinque lucerne tradizionali, poste al centro della struttura illuminano di notte gli specchi della stele creando un gioco di riflessi.
Infine, il titolo “VITA FLAMMAE” che significa “Fiamma della vita” riprende il significato della luce e del fuoco creando un filo rosso che unisce l’essere umano, la natura e la dimensione rituale della Festa delle Lucerne.